Siegmund Judith

Die hier vorgelegte Buchpublikation Hannah Arendt und die Weltlichkeit der Künste geht auf eine internationale Tagung zurück, die an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) in Kooperation des Forschungsbereichs Ästhetik (ZHdK) mit der Hannah Arendt Edition. Kritische Gesamtausgabe (Freie Universität Berlin) vom 17.–19. November 2022 stattgefunden hat. Wie der Titel bereits ankündigt, machen es sich die hier zusammengeführten Beiträge zur Aufgabe, darüber zu reflektieren, inwieweit und in welcher Hinsicht Konzeptionen von Kunst, künstlerischer bzw. kultureller Praxis sowie Ansätze der Kunstphilosophie in Hannah Arendts Theoriebildung hineinwirken. Prominent formuliert sie etwa in dem 1962 in deutscher Sprache publizierten Buch Vita activa: „Kunstwerke sind die beständigsten und darum die weltlichsten aller Dinge“ (Arendt 2002, S. 202). („Because of their outstanding permancence, works of art are the most intensely worldly of all tangible things; their durability is almost untouched by the corroding effect of natural processes“ (Arendt 1958, S. 167).) Und Arendt betont in diesem Zusammenhang die spezifische nicht nur quantitative, sondern vor allem qualitative Differenz von Kunstwerken im Verhältnis zu anderen ‚hergestellten‘ Dingen.

Unter dem Stichwort des ‚Anthropozäns‘ werden heute Debatten darüber geführt, mit welchen Narrativen wir Veränderungen der Erde darstellen können. Vor diesem Hintergrund wird Hannah Arendts Terminus der Kultur als Verdinglichung sowie der damit verbundenen Gedanken der Dauer von kulturellen Dingen und Kunstwerken aus heutiger Perspektive neu befragt. Als wesentlich für die Abgrenzung einer menschlichen Welt von der Natur setzt Arendt zwei Konzepte der Künste – das der Verdinglichung in Herstellungsprozessen und das des kommunikativen Erscheinens auf einer Bühne. Artefakte sind Arendt zufolge Teil der menschlichen ‚Welt‘, sie unterscheiden sich von Momenten eines menschlichen ‚Handelns in die Natur hinein‘. Inwiefern wäre mit der menschlichen Initiierung ‚natürlicher Prozesse‘, welche Arendt kritisch kommentiert, logisch gesehen eine Abschaffung von Künsten bzw. das notwendige Aussterben von Kultur schlechthin zu denken?

Hannah Arendt hat kein spezifisch kunstphilosophisches Buch geschrieben. Jedoch spielen ihre Überlegungen zu den Künsten und mehr noch die kulturgeschichtliche Verortung von produktions- und rezeptionsästhetischen Fragen eine wichtige Rolle in ihrem Werk. Der Band legt den Fokus auf kunstphilosophische Konzepte und Reflexionen in den Texten Arendts und bringt diese sowohl mit ihrer politischen Theorie als auch mit aktuellen Fragen künstlerischer Praxis in Zusammenhang. Entsprechend werden zentrale Aspekte von Arendts kunstrelevanter Begrifflichkeit thematisiert: So etwa das künstlerische "Herstellen", das ästhetische "Urteilen", die "Dingheit" und "Verdinglichung" der Kunstwerke und damit einhergehend die "weltliche" und "zwischenmenschliche" Dimension ihrer Gegenständlichkeit. Aus der Perspektive dieser Überlegungen zu Kunst und Künsten werden nicht nur Arendts Verständnis des Öffentlichen und des Privaten neu diskutiert, sondern ebenso ihre Konzepte von "Dauerhaftigkeit", "Sprachlichkeit", "Wahrhaftigkeit" und "Geschichtlichkeit". Vor diesem Hintergrund wird schließlich auch nach dem Verhältnis der unterschiedlichen Künste im Hinblick auf ihre konstitutive Weltlichkeit gefragt.

While the action movies of Ugandan film collective Wakaliwood resist description through the norms of classical Western aesthetics, nor can they be removed from the aesthetic sphere altogether and considered merely as projects for social inclusion. The question arises, therefore, of what interpretational framework can be brought to bear. Discussing Alessandro Bertinetto’s account of improvisation as distributed creativity, as well as the perspective of postcolonial theory, the paper observes that neither of these on its own succeeds in capturing what is distinctive about Wakaliwood’s films, but that in combination they may serve to introduce an ethical aspect into the philosophy of art that would otherwise be overlooked. This, the paper suggests, points towards a need to modify our understanding of aesthetic theory formation.

Der Gedankenweg, den dieses Kapitel zum Begriff der Funktion der Kunst und ihrer zeitlichen Entwicklung und Veränderung nimmt, beginnt im ersten Teil (Abschn. 1.1) mit der zeitdiagnostischen Darstellung von veränderten künstlerischen Praxen. Solche Veränderungen werden einerseits als Wandlungen im Selbstverständnis künstlerischer Akteure beschrieben, andererseits als Veränderung jener Diskurse, die die Praxen begleiten und sich konkreten Fragestellungen widmen. Der Begriff eines ‚Funktionswandels der Kunst‘ wird hier vorausgreifend als ein performativer Begriff eingesetzt, um ein in Veränderung begriffenes praktisches Geschehen phänomenologisch zu beschreiben.

Um die Frage, welche Rolle Ziele und Zwecke in künstlerischem Handeln, dessen Ergebnissen und dessen Wahrnehmung spielen, soll es in diesem abschließenden Kapitel gehen. Die Frage stellt sich bezogen auf eine Umgebung bzw. Gesellschaft, in der ästhetische Praktiken als individuelle Handlungs- und Zuschreibungsformen allgemein an Bedeutung gewinnen, in einer neuen Weise. Den Künsten kann im Kontext einer in vielen Teilen als form- und anschauungsorientiert aufgefassten Umgebung nicht mehr unkompliziert die Denkfigur einer nichtentfremdeten Tätigkeit und auch nicht die Funktion der Funktionslosigkeit (wie in einer ehemals als rational bzw. funktional bestimmten Gesellschaftsstruktur) zugewiesen werden.

Anknüpfend an das vorherige Kapitel zur Philosophiegeschichte des Zweckbegriffs lässt sich formulieren, dass dieser Begriff sich von dem aristotelischen Verständnis des Begriffs als einem allgemeinen intrinsischen Prinzip bis in die Moderne des 20. Jahrhunderts zu einer Denkfigur der Ermächtigung des einzelnen Subjekts entwickelt hat. Für die Unbedingtheit dieser technizistischen rationalen Ermächtigungsfigur steht Max Webers Idealtypus des Zweckrationalen, der, wie schon gesagt, als Idealtypus nicht für die reale Bestimmung des Gesellschaftlichen stehen kann, aber doch für ein perspektivisches Ideal ihrer Betrachtung. Gerade Hannah Arendt und John Dewey zeigen im Rahmen dieser linearen Entwicklung des Begriffs aber auch, dass dem Begriff ‚Zweck‘ mindestens zwei Komponenten innewohnen.

Dass die Autonomie der Kunst im 20. Jahrhundert bis ins 21. Jahrhundert hinein eine so entscheidende Rolle spielte und teilweise noch spielt, hängt zu großen Teilen mit der Kant-Rezeption innerhalb der deutschsprachigen ästhetischen Theorie zusammen. Die Tatsache, dass sich eine bestimmte, jedoch nicht zwingende Lesart der Kritik der Urteilskraft herausgebildet hat, steht im Fokus des ersten Teilkapitels; damit verbunden ist die Frage nach der Historie der Herausbildung von kontingenten Lesarten der Kantischen ‚Zweckhaftigkeit ohne Zweck‘. Inwiefern hängt bei Kant die Zweckfreiheit mit dem Terminus des ‚interesselosen Wohlgefallens‘ zusammen und inwiefern lässt sich eine Vermischung der beiden Termini aufzeigen? Da der Kantische Terminus der ‚Zweckhaftigkeit ohne Zweck‘ im Abschn. 10.1007/978-3-476-04805-9_3#Sec4 ausführlich behandelt wird, habe ich hier zunächst auf seine ausführliche Erläuterung verzichtet; vielmehr ist die leitende Fragestellung im vorliegenden Kapitel die Frage nach verschiedenen kunstphilosophischen Lesarten der Kantischen dritten Kritik, welche u. a. auch zu einer grundlegenden Verschiebung gegenüber Kants Version des Schönheitsurteils geführt haben.

Der Beitrag beschäftigt sich aus philosophischer Perspektive mit der kontroversen öffentlichen Diskussion zur documenta fifteen. Einigen Stellungnahmen in dieser Debatte liegen implizit Prämissen einer kantisch geprägten ästhetischen Theorie zugrunde; ihnen stehen anders situierte Diskussionsstrategien aus außereuropäischen Kontexten gegenüber. Im Text wird der kantische universalistische Gedanke eines ästhetischen Gemeinsinns kritisch im Sinne einer postkolonialen Kritik gelesen. Gibt es andere universale Annäherungen an künstlerisches Arbeiten, die stärker von einer Haltung des Zuhörens geprägt sind? Entsprechend den in diesem Feld möglichen Differenzen variiert auch das Verständnis, was es bedeutet, in einem Künstler:innenkollektiv zu arbeiten.

Die Abgrenzung des Designs von der Kunst, welche die ästhetische Theorie im 20. Jahrhundert vornahm, hat uns implizit eine Definition von Design und designerischem Handeln vorgegeben, die diesem nicht in Gänze gerecht wird. Mit der Auszeichnung der Kunst fand eine Abwertung gestalterischen Handelns statt. Die angebliche Distanz des Künstlerischen zum Funktionalen und Ökonomischen steht heute mehr denn je in Frage, wie sich auch bemerken lässt, dass Design seit seiner Entstehung vielfach durch künstlerische Einflüsse geprägt worden ist. Um heute Design adäquat theoretisch zu fassen, muss seine kategoriale Abgrenzung von den.

Die Kunstphilosophie ist in Bewegung und erlebt nicht zuletzt im deutschsprachigen Kontext eine dynamische Weiterentwicklung. Über die Fachgrenzen der philosophischen Ästhetik hinaus wirken diese Debatten hinein in die politische Philosophie, die Kunst- und Kulturwissenschaft, aber auch in die Theater-, Medien- und Musikwissenschaft. Zugleich partizipieren sie an den kunstnahen Diskursen im Umfeld verschiedener künstlerischer Praktiken. Sie bringen so den Gestus der Selbstreflexion und Selbstverständigung in den universitären Disziplinen wieder zur Geltung. Das “Handbuch Kunstphilosophie” bildet anhand systematischer Stichworte Grundpositionen kunstphilosophischen Denkens ab. Es wirft Schlaglichter auf die Theoriegeschichte sowie auf aktuelle Positionen, ohne sie einer Schulenbildung zu unterwerfen.

Die 4. Auflage bringt zunächst die Kommentierung der Präambel und der Art. 1 bis 19 auf den aktuellen Stand von Judikatur und Literatur. Die grundlegende Struktur des Kommentares wurde beibehalten und um neuere Entwicklungen wie die Implikationen der Europäisierung und Digitalisierung sowie der Corona-Pandemie ergänzt.Die Herausgeberschaft des Kommentares hat ab der 4. Auflage Frauke Brosius-Gersdorf übernommen. Auch im Autorenkreis sind personelle Veränderungen zu verzeichnen: Mit Ausnahme von Frauke Brosius-Gersdorf, Alexander Thiele und Ferdinand Wollenschläger, die bereits an der 3. Auflage mitgewirkt haben, liegen die Kommentierungen in den Händen neuer Autorinnen und Autoren.Der Kommentar erscheint in drei Bänden und wird nur geschlossen abgegeben.Der Grundgesetz-Kommentar ist Bestandteil des Moduls Verfassungsrecht PREMIUM, das bei beck-online.de erhältlich ist.